Alaña, de Klaus S. Neumann, en Ediciones Irreverentes

 

ALAÑA.
Autor: Klaus S. Neumann

Colección de Teatro, nº 120
ISBN: 978-84-17481-40-7
PVP: 11,00€ • 120 páginas

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 Motivados por la crisis económica, cuatro españoles emigran a Berlín. Dos mujeres y dos varones, procedentes de diferentes estratos sociales, con ideologías políticas diferentes, emprenden el mayor viaje de crecimiento personal de sus vidas. Se conocen en la oficina de empadronamiento y allí, en la sala de espera, empiezan a charlar y a odiarse. La comunicación es, por la evidente diferencia de sus caracteres, una mezcla de insultos, puyas e incomprensión. Las futuras peleas están servidas. Se volverán a encontrar en un bar de tapas español cuyo dueño es un alemán muy aficionado a todo lo español. Por eso lleva el apodo de “El Andalú”. El trato entre los cuatro sigue igual, aunque “El Andalú” intenta mediar, hasta que algo grave, que pone en peligro la vida de uno de ellos, hará que se den cuenta de que se necesitan. En realidad todos quieren volver a su tierra. Incluso el alemán. Así que deciden “reconquistar” la patria que les fue robada por gente mala, políticos sin alma. Todo ella en un tono de comedia ácida y a veces amarga. Afirma en el prólogo Gonzálo Piñán de Mingo: “Klaus emplea el estereotipo para explicar la realidad de su mundo. Los personajes de esta obra abarcan temas actuales como el feminismo, el racismo, la integración social, la violencia, los comentarios ofensivos, la actitud ofensiva, la lucha por tener la razón en las conversaciones, etc. También trata con mucha claridad temas que nos ocurren a los que migramos. Cualquiera que haya migrado puede sentir mientras lee esta obra un reconocimiento de los pasos que dio cuando llegó por primera vez al país nuevo”. Afirma el autor: “¡Yo amo España y no se hable más! Pero dicen que aquello que más amas, es lo que más podrás llegar a odiar. No sé si puedo o quiero aplicar esta frase a mi queridísima España. Pero hay momentos...”.

 

Klaus S. Neumann

(Berlín, Alemania, 1965)

Traductor, responsable/supervisor en una empresa de servicios lingüísticos. Reside en Berlín. Su pasión por España le vino por la película Carmen de Carlos Saura. Empezó a estudiar español y guitarra flamenca. Vivió ocho años entre Jerez de la Frontera, Barcelona y Madrid. Se ha iniciado en diferentes artes como los monólogos, el baile flamenco, la improvisación teatral y varios estilos musicales. En 2016 participó en “Noches de Comedia Berlín” donde ganó con un monólogo sobre diferencias culturales. En 2018 ganó el XVI Premio Internacional Sexto Continente de Monólogo de humor. El texto ganador fue publicado en la Antología Monólogos de humor, Autoficción de Ediciones Irreverentes. Desde hace unos años se dedica a la escritura de relatos breves, monólogos y obras de teatro. Ha aparecido en las antologías Cuentos del coronavirus y Sexo robótico. Nunca escribe en alemán: “Necesito los idiomas extranjeros como una máscara, para poder expresarme con sinceridad”. Se define a sí mismo como “persona del sueño y ensueño”. De otra forma no podría soportar la realidad. ALAÑA es su primera obra publicada.

Todo sobre el libro en la web de Ediciones Irreverentes

 http://www.edicionesirreverentes.com/teatro/Alana_Klaus_Neumann.html

Tres obras de teatro sobre el derecho al voto de la mujer en España

Resulta significativa la escasa presencia en el teatro español de las dos mujeres que mantuvieron el debate definitivo sobre el voto femenino en España durante la República: Victoria Kent y Clara Campoamor.

            En la Segunda República española, las mujeres podían ser elegidas, pero no votar. En octubre de 1931, poco después de nacer la Segunda República Española, se mantuvo un apasionante debate entre Clara Campoamor, del Partido Radical,  defensora de que las mujeres votaran, y Victoria Kent, del Partido Radical Socialista, contraria a que las mujeres votaran. Este debate ha pasado a la historia.

Victoria Kent, según sua palabras, recogidas en el diario de sesiones del 1 de octubre de 1931, basaba su postura en la “incapacidad femenina para votar debido a que tradicionalmente se habían mostrado cercana a la iglesia y había mantenido posturas más tradicionales”. Lo cual llevaría a que los partidos de izquierdas perdieran votos.

Clara Campoamor defendió el sufragio universal, incluyendo a las mujeres. Campoamor se preguntaba. “¿No recae sobre las mujeres toda la consecuencia de la legislación que se elabora aquí para los dos sexos, pero solamente dirigida y matizada por uno? ¿Cómo puede decirse que la mujer no ha luchado y  que necesita una época, largos años de República, para demostrar su capacidad?”.

Tras el debate, se aprobó en el congreso el voto femenino en las mismas condiciones que el masculino, a la edad de 23 años. Se estableció en la Constitución de 1931 en el artículo 36.

Este hecho revolucionario, ha tenido escaso reflejo en el teatro español. Destacaremos tres obras que tratan de este importante asunto:

La Asociación de Autores de Teatro editó en 2005 Las Raíces Cortadas, de Jerónimo López Mozo, Premio Nacional de Literatura Dramática 1998. Esta obra sería llevada a escena bajo la dirección de Luis Maluenda e interpretación de Pepa Sarsa (Victoria Kent) y Marisa Lahoz (Clara Campoamor).

En Las Raíces Cortadas el lazo dramático de ambas mujeres se consigue a través de una situación: la aprobación del voto femenino que supuso un amplio y controvertido debate. Más tarde les unirá el exilio, vivido de forma muy distinta. A partir las vivencias de unos personajes históricos, Las Raíces Cortadas se convierte en un texto que va más allá de la anécdota histórica. Presenta un tema más profundo: los derechos de la mujer.

           En 2016 Ediciones Irreverentes concede el premio El Espectáculo Teatral a la autora ilicitana Olga Mínguez por su obra Victoria viene a cenar. De aquel histórico debate sobre el voto femenino surge esta obra. Clara Campoamor ha invitado a Victoria Kent a cenar. Lo tiene todo preparado: el salón, la cena y el vino. Clara sabe que se trata de la noche decisiva para ambas, ya que el fantasma de aquel debate político de 1931 nunca ha dejado de planear entre ellas. Pero, no se equivoquen, porque aquí se hacen malabarismos con la inventiva. Y es que, la cena entre la Campoamor y la Kent, no se llegó a dar. Un capítulo ficticio donde conoceremos la apasionante vida de las dos primeras mujeres diputadas del Parlamento español; un recorrido fugaz por sus actos, sus logros, sus sentimientos y sus derrotas. Una conversación llena de matices, de reproches, de sentimientos de culpa y de reencuentros que nunca ocurrió pero que, tal vez, debió haber ocurrido.

En 2017 Ediciones Irreverentes concede el premio El Espectáculo Teatral a otra obra dedicada a una de las mujeres de este hecho histórico: La verdadera identidad de Madame Duval, de Antonio Miguel Morales Montoro. Nadie conoce la verdadera identidad de Madame Duval, una española refugiada en París inscrita en la lista negra de Franco y buscada por la GESTAPO y por el sanguinario policía español Pedro Urraca. Madame Duval logra sobrevivir al asedio apoyada por unas amigas que construyen en torno a ella una fortaleza que nadie puede derrumbar. Quien quiera conocer el verdadero nombre de Madame Duval, tendrá que ser testigo de su peripecia vital, para no juzgarla de antemano, como ha hecho la historia con la protagonista de esta obra, sin duda una de las mujeres más relevantes de nuestra contemporaneidad. Su nombre se nos irá revelando a través de los hechos que delimitan la acción, siendo este enigma una de las bazas del planteamiento dramático.

Como hecho significativo del devenir histórico de la España del s.XX, ambas mujeres acabarían en el exilio.

En una época en la que el debate sobre los derechos y libertades de la mujer está más presente que nunca, resulta sorprendente que ninguna de estas tres obras –en el momento de escribirse este artículo– esté en las carteleras del país. La lectura de estas tres obras teatrales se muestra así básica para conocer la postura de los más significativos representantes de las artes escénicas en un debate que sucedió hace casi 90 años, pero cuyo resultado sigue marcando nuestra época. Es una lectura recomendable sobre todo para las generaciones más jóvenes, a quienes les sigue sorprendiendo que este debata haya existido hace tan poco tiempo.

"Trilogía Idiota es un barómetro de la crisis española, la primera obra recogida tiene 5 actores, la segunda 4, y la última, sólo 2. Es teatro de humor y además una metáfora del naufragio del país"

“En la Trilogía idiota encontramos lo mejor de mi producción teatral de los últimos años, representada ante más de 25.000 espectadores en España, Argentina, Chile, Honduras, Nicaragua o El Salvador, entre otros países,son textos que han ido evolucionando en función del contacto con los espectadores, se han ido quitando los textos que resultaban menos divertidos y se han ido añadiendo nuevos, contando con la respuesta del público hasta nuestras últimas representaciones en la madrileña sala Triángulo. Así pues, es una edición que ya ha pasado el filtro del espectador. Además, esta Trilogía Idiota es un buen barómetro de la crisis española, porque la primera obra recogida tiene 5 actores, la segunda 4, y la última, sólo 2. Pasamos la misma crisis que el resto de los ciudadanos. Es teatro de humor y además una metáfora del naufragio del país”. 

     Así presentó Trilogía Idiota su autor, Chema Rodríguez-Calderón, a los medios de comunicación en un céntrico café madrileño, quién añadió sobre la naturaleza de los textos: “Hemos traído lo mejor del monólogo anglosajón, pero adaptándolo a la mentalidad española. Aquí se hace el monólogo al modo yanqui, hasta con el muro de ladrillos detrás. En la Trilogía idiota se encuentras textos de humor basados en este tipo de mentalidad, pero adaptándolo al trabajo de una compañía off española, como Martelache. En la última de las obras del volumen, Marta Ochando y yo nos estamos divorciando como pareja sentimental y como pareja de actores, eso da pie a muchos monólogos divertidos, con reflexiones sobre los problemas de nuestro tiempo, y además a la interacción entre ambos, lo que enriquece la puesta en escena.”

     Son tres textos independientes entre sí, pero con un denominador común: una comedia ágil, ácida, crítica e irreverente. Idioteces profundas contadas por imbéciles inteligentes es un desfile de monólogos cómicos cargados de veneno y humor inteligente que retratan de manera despiadada nuestra vida cotidiana. Comedia idiota con título absurdo es una obra excéntrica e irónica sobre nuestra situación cultural y nuestro desequilibrado universo moderno. ¿Qué ocurriría si el público se metiera en una obra de teatro cuando no está en absoluto invitado? Un texto lleno de situaciones delirantes. Y Somos idiotas porque es lo más inteligente parte de la decisión de una pareja de artistas de separarse en escena y, de paso, tirarse los trastos a la cabeza. Diversión asegurada.

     El autor estuvo acompañado en el acto por las actrices Gloria Muñoz y Marta Ochando, protagonista del montaje de la última obra del libro.

     Para Gloria Muñoz “destaca la irreverencia de los textos, es una continua crítica a la forma actual de ver la vida, al teatro clásico, a lo políticamente correcto. Encontramos farsas basadas en el teatro griego clásico o en Shakespeare, es una crítica no tanto del teatro antiguo como de su sacralización, de su forma de llevarlo a escena y de ser contemplado. Nos incita a no tener miedo de qué pensarán los demás.”

     En opinión de Marta Ochando, este volumen muestra el devenir del teatro en estos diez años “Le propuse a Chema que la última obra de este libro, la que estamos representando en la sala Triángulo, fuera sólo para dos actores, porque ahora es imposible hacer una gira con una obra para 5 actores. Ahora ves en los teatros muchos monologuistas, pero porque es más barato, no se pueden pagar los gastos de una compañía. Con este formato de dos actores, estamos representando la obra Somos idiotas porque es lo más inteligente y está funcionando muy bien. Pero eso no nos limita, porque hemos optado por hacer un teatro mucho más cercano al espectador, y está funcionando. Al espectador le gusta reconocerse en los problemas cotidianos que planteamos en la obra”

     Chema Rodríguez-Calderón mencionó la necesidad de captar nuevos públicos para el teatro: “estas tres obras han funcionado mucho mejor con el público que en medios de comunicación. En Radio Nacional de Honduras llegaron a decir que era una obra diabólica escrita por el mismo demonio. Pero el público lo ha disfrutado muchísimo. Hay dos niveles muy diferenciados: lo que es aceptable políticamente y lo que de verdad le gusta a la gente. Nosotros hacemos, con Martelache también teatro infantil y juvenil, y de repente te piden que les hagas una obra para institutos metiendo algo de violencia doméstica, igualdad de género, ecología… y cuando les dices que escribir una obra no es algo rápido, que requiere un trabajo, te dicen que te cojas la Bella Durmiente y que hagas una versión moderna adaptada a los tiempos. Eso es echar a los chicos del teatro, porque los adolescentes tienen muy claro qué le interesa. Y es nuestro primer deber formar nuevos públicos. Algunos de los textos incluidos en este libro nos los han censurado, pero son los más interesantes para los jóvenes, porque les permiten ponerse en contacto con temas que les preocupan, como la droga, la promiscuidad, la soledad, el enfrentamiento, sin tratarles como tontos, sino dándoles argumentos para que ellos mediten y lleguen a sus propias conclusiones siendo tratados como personas. No es lógico que te vean adolescentes o público joven y que lo que entre ellos tiene una acogida magnífica sea lo que los políticos te digan que no se puede representar. Después se extrañarán que el público de sus teatros tenga entre 55 y 70 años. Dale al publico lo que busca.”

Feria de Teatro de Castilla y León, puente privilegiado entre Portugal, España y Francia

Del 20 al 24 agosto Ciudad Rodrigo vuelve a convertirse en la capital del mercado de las Artes Escénicas. La Junta de Castilla y León, entidad que organiza la Feria desde la consejería de Cultura y Turismo, ampara una vez más éste proyecto con el fin de apoyar la promoción, la difusión, la formación, la creación de empleo y la estimulación de las industrias culturales en lo que será ya la 16ª edición del evento.

La Feria de Teatro de Castilla y León constituye un estímulo de oportunidades creativas, educativas y de negocio convirtiéndose cada vez más en un referente clave para el mercado. Ciudad Rodrigo es respaldada año tras año por un mayor número de visitantes; en 2012 contó con más de 33.000 espectadores y cerca de 200 profesionales acreditados. Es un proyecto atractivo tanto para el profesional de las artes escénicas como para el público en general.

La 16º edición de la Feria se fundamenta en espectáculos de múltiples disciplinas y formatos, con lenguajes escénicos muy diferentes y una presencia creativa contemporánea muy importante, con la intención de ofrecer a los profesionales de las artes escénicas un amplio abanico de posibilidades adecuándose a las características de su programación. Se ha realizado una selección entre 825 propuestas que avalan un alto interés por estar presente en esta Feria.

La Feria de Teatro de Castilla y León continúa apostando por mantener una franja de programación importante destinada a público infantil y familiar; un bloque sólido de teatro de texto para público joven y adulto que abarca desde propuestas de teatro clásico al teatro más contemporáneo; una gran presencia de teatro cómico, a la que se añade casi un tercio de la programación dedicada a las artes de calle, complementándose con teatro de objetos, instalaciones artísticas, danza contemporánea y nuevo circo.

Ciudad Rodrigo en nuevo marco internacional

Además este año, a partir del mes de Julio, la Feria de Teatro de Castilla y León, comienza una nueva etapa fundamentada en la alianza de colaboración de tres ferias y festivales de Artes Escénicas del occidente europeo, que unen sus esfuerzos para crear una plataforma de comercialización de las artes escénicas y para la creación de nuevos públicos. Así surge la RED ESMARK (European Scene Market) una confluencia de intereses entre el Festival Internacional de Expresión Ibérica de Oporto (FITEI), el Festival Don Quijote de París y La Feria de Teatro de Castilla y León, a través de la cual la Junta de Castilla y León lidera ésta iniciativa financiada por la Unión Europea dentro del Programa Cultura y se desarrollará en el periodo 2013-2015. Las acciones enmarcadas en el ESMARK pretenden a promover la globalización de la contratación de las propuestas de las compañías de artes escénicas y a la contribución al desarrollo del mercado mediante la creación de un mercado virtual; también contribuirá al conocimiento y contratación de producción europea mediante la circulación de información de profesionales de las artes escénicas; y la creación de demanda de productos escénicos mediante la formación de nuevos públicos.

 Un tercio de la programación nace en Castilla-León

La 16ª edición de la Feria se configura como un escaparate que ofrece las últimas producciones escénicas de las principales compañías de Castilla y León, un tercio de la programación proviene de ésta comunidad; una presencia importante de compañías de Portugal y Extremadura, y una cantidad apreciable de compañías que pertenecen a Galicia y Asturias. Participa también Francia.

Cerca de 40 compañías profesionales se darán cita en Ciudad Rodrigo, presentando sus últimas producciones escénicas -la mayor parte de las propuestas apenas llevan un año en los escenarios-, otras incluso han apostado por la Feria para su estreno absoluto, en un viaje que nos lleva a confrontar compañías emergentes, con otras con más de 20 años en su trayectoria.

Por parte de Castilla-León se exhibirán entre otros, la última producción del Ballet Contemporáneo de Burgos “Pielescallar”, “Lovers” el trabajo con el que Rayuela Producciones Teatrales celebra sus 25 años sobre los escenarios, o el estreno absoluto de su espectáculo para bebés de Teatro La Sonrisa, “Ponpóm”. También estreno absoluto será el trabajo de los andaluces “The Funamviolistas”, o el de Eugenia Manzanera con “Corporeoooh!”.  Portugal presenta también sus últimas producciones de la mano de entre otras, de la compañía Marionetas do Mandrágora con “Adormecida” o la compañía de danza Quórum Ballet con “A cidade verde e a cidade azul”, y el estreno en castellano de “Edipo” de la conocida compañía do Chapito. Extremadura trae el estreno también de Teatrapo, “Sfera” y la comedia “De vacaciones” de Suripanta Teatro, a la que también se puede añadir la de los catalanes Bramant Teatre con “The Eva´s Show (El show de Eva)” o lo último de Síndrome Clown “La prematura muerte de un viajante”. Todo esto lo completa un gran abanico de propuestas diferentes para todos los públicos que tendrán cabida en espacios singulares y atractivos que se enmarcan dentro del patrimonio monumental de Ciudad Rodrigo, la “Ciudad-teatro”.

La Feria va más allá de la concepción de mercado, en tanto y cuanto acoge un completo programa de actividades complementarias tanto para profesionales, con coloquios, presentaciones, encuentros y jornadas de formación, como para el público con las iniciativas de Escuela de Espectadores o el programa de animación y pedagogía teatral DIVIERTEATRO.

Como cada año, Ciudad Rodrigo abre mucho el mercado de compañías y productoras españolas y es un punto privilegiado de entrada a Portugal (y este año, además, a Francia). No sólo es una apuesta interesante para el público, sino que es una importante herramienta para el profesional que pretende salir de los circuitos españoles y ampliar sus públicos. 

 Toda la información en http://www.feriadeteatro.es/indexpc.asp