22.8.19

XIV PREMIO EL ESPECTÁCULO TEATRAL




Ediciones Irreverentes convoca el XIII Premio El Espectáculo Teatral. Podrán concurrir al premio aquellos originales que reúnan las siguientes condiciones:

a) Obras teatrales inéditas escritas en español. No habrán sido publicadas en libro, ni en revistas, ni habrán sido estrenadas en escenarios profesionales antes del fallo del Premio.

b) Podrán participar obras con una extensión mínima de 70 páginas y máxima de 130 (DIN A-4), a espacio y medio, por una cara. Letras Times New Roman o Arial 12, o similar

c) No habrán sido premiadas en otro concurso, ni se hallarán pendientes de fallo en cualquier premio.

d) Se establece un primer premio consistente en la publicación de la obra ganadora. Los derechos de la 1ª edición, serán del 10% sobre el PVP del libro sin IVA. La editorial podrá contactar con los autores de las obras finalistas para proponerles la edición del texto, de considerarlo conveniente

e) Cada autor podrá presentar un máximo de 2 obras, enviando una única copia de cada título con páginas numeradas y sin la firma del autor, sustituida por lema o seudónimo en cabecera, acompañados de plica, con el mismo titulo, que contendrá obligatoriamente: nombre y apellidos, domicilio, fecha de nacimiento, teléfono y correo electrónico del autor, una breve nota bio-biográfica del autor y una sinopsis de la obra de 20 a 30 líneas. La obra estará cosida o encuadernada. Si faltara alguno de los requisitos la obra podrá no ser aceptada

f) Los trabajos se enviarán por correo normal (sin certificar) a Ediciones Irreverentes, C. Martínez de la Riva, 137, 4ªA. 28018 Madrid. (No se recibirán obras personalmente en ningún caso). Indicando en el sobre: XIV Premio El Espectáculo Teatral. El plazo de recepción de originales expira el día 20 de septiembre de 2019. Sólo los autores residentes fuera de España podrán enviar su obra al correo edicionesirreverentes@gmail.com, con la obra como archivo de Word y la plica en otro archivo de Word en el mismo correo. No se dará aviso de recepción a ninguna obra.

g) Ediciones Irreverentes formará un jurado compuesto por 3 personas. La obra será escogida entre un máximo de 3 obras finalistas propuestas al jurado por el comité de lectura. El veredicto del jurado será inapelable. Ediciones irreverentes se reserva el derecho de dejar el premio desierto.

h) El fallo del jurado se hará público en octubre por nota de prensa a los medios de comunicación y por envío por correo electrónico a los participantes.

i) El libro se presentará, entre otros actos, en el Salón del Libro Teatral. El autor deberá participar en el acto de entrega, salvo que sea residente fuera de España.

j) La participación en esta convocatoria implica la aceptación de sus bases y del fallo del Jurado.

k) La organización del Premio utilizará el correo electrónico de cada autor para enviarle información sobre el premio y otras informaciones teatrales y literarias, dándose por hecha la conformidad del autor para recibir tales informaciones, salvo que el autor manifieste expresamente su deseo de no recibir información.

Más información en

PALMARÉS DEL PREMIO
• I La guarida, de Lourdes Ortiz
• II Los sueños de la ciudad, de Raúl Hernández Garrido
• III Elogio de la cazadora, de Santiago Martín Bermúdez
• IV Camas y mesas, de Emilio Williams
• V Apología del amor, de Juana Escabias
• VI Manifiesto capitalista para destrozar corazones, de Julio Fernández Peláez
• VII Adriano, emperador romano, de Vicente Piñeiro
• VIII Poderosas, Pedro Víllora
• IX Agosto en Buenos Aires, Juan García Larrondo
• X La vida secreta de mamá, Concha Rodríguez
• XI Victoria viene a cenar, Olga Mínguez
• XII La verdadera identidad de Madame Duval, Antonio Miguel Morales Montoro
• XIII El peso de la religión, Julio Escalada

2.7.19

Eberhard Petschinka, ganador del II Premio Alfred de Musset convocado por Ediciones Irreverentes por su versión de “Tiempo de silencio”



El austriaco Eberhard Petschinka es el ganador del II Premio Alfred de Musset de traducción, versión y adaptación de obra teatral, convocado por Ediciones Irreverentes, por su versión de “Tiempo de silencio”, obra de Luis Martín-Santos. Este premio se concede para Obras teatrales en español que sean traducción, versión o adaptación teatral de una obra teatral, novela o relato, previamente existente, sea cual sea el idioma del original sobre el que se haya trabajado. La obra de Eberhard Petschinka se ha impuesto entre 90 textos recibidos procedentes de 13 países Las dos obras finalistas, son: “República de Volpone”, de Beatriz Mori “La entretenida”, de Laura Rubio Galletero

La obra: Tiempo de silencio.
Es uno de los hitos de la literatura española del siglo XX. Dibuja un grotesco retrato del Madrid de la posguerra aunando. Nunca había sido adaptada al teatro, hasta su estreno en La Abadía, aunque sí al cine (en 1986, por Vicente Aranda). Es considerada un texto innovador tanto por su forma como por su contenido. Aunque la trama se desarrolle a finales de la década de 1940, su visión caricaturesca no se aleja mucho de nuestro modelo de sociedad actual, especialmente atribulado en las grandes ciudades. La soledad que se siente en mundos estancos, la disfunción de los lazos familiares, la impotencia y el odio más allá del sentir político, el silencio que envuelve el quehacer cotidiano. Este descenso a los infiernos urbanos, un infierno al que nos hemos acostumbrado, presenta la historia de un investigador que a través de experimentos con ratas indaga en el aspecto hereditario del cáncer. Ante la falta de ratas de laboratorio, va a buscar nuevos ejemplares en unas chabolas a las afueras de la capital española. Allí descubre la dura realidad vital de los marginados y acaba implicado en una trama que posee la desolación propia del mundo de los cuentos.



El ganador: Eberhard Petschinka
Escritor, director de escena y pintor, nacido en Großmugl (Baja Austria), en 1953. Estudió Filosofía y fue director de la Escuela Alternativa (que forma parte de uno de los principales centros culturales de Europa, la Wiener Werkstätten- und Kulturhaus, en Viena). Escribió textos para teatro, radiodrama y cabaret, y colaboró como dramaturgo con Rafael Sánchez en sus montajes La judía de Toledo de Feuchtwanger, Cada uno muere solo de Fallada, y la película Casanova Matador. Asimismo, trabaja a menudo con el compositor Wolfgang Mitterer, para quien escribe libretos. Sus piezas para radio ha ganado varios premios internacionales, como el Prix Futura, el Premio Ondas, el Prix Europa y el Prix Italia. Por el conjunto de su obra recibió en 2009 el Günter-Eich-Preis, concedido por el Ayuntamiento de Leipzig.

Obras recibidas por países:
65 de España
5 de Argentina, Cuba
4 de México
2 de Uruguay, Chile, Francia, Escocia, Colombia
1 de Paraguay, Estados Unidos, Rumania, Austria 


19.6.19

Francho Aijón presenta "Su casa es suya"




El sábado 22 de Junio, a las 12h, se presenta en Microteatro Por Dinero, en Malasaña, el libro de Francho Aijón Su casa es suya, una comedia de enredos en las que son protagonistas dos chicos que pretende quedarse una casa de renta antigua aunque eso le cuesta le vida a la anciana (y pérfida) propietaria.

P.- ¿Cómo surge la idea de escribir Su casa es suya?
R.- Tuve una idea hace tiempo para una pieza breve y nunca encontraba tiempo para desarrollarla. La tenía con un título provisional "Dos compañeros de piso esconden  el cadáver de su casera". Finalmente, después de darle muchas vueltas, y pensar posibles tramas, puse a FRAN y HUGO a dialogar, sin tener muy claro hacia dónde iría la historia. Sus propios caracteres me llevaron a ponerles en una situación límite, una decisión sin vuelta atrás, y empecé a notar que estos dos personajes podrían funcionar en una comedia de enredo al puro estilo Siglo de Oro, mentirosos que sólo salen de una mentira con otra más gorda, también pensé en esas comedias británicas tipo "Un cadáver a los postres". Metiendo un muerto en la ecuación, conseguía darle un giro más oscuro, y me encanta la comedia negra, esa comedia que no se toma la molestia de agradar. Por eso inicié un proceso de escritura y reescritura en el que, cada vez que avanzaba en alguna trama, tenía que deslizarme al principio para replantear el "planting" de las escenas. Cuando escribes textos más cortos, el desarrollo de los arcos y de los enredos están más sostenidos en el tiempo, pero cuando la obra excede de veinte páginas tienes que tramar con mucho más cuidado para no dejar nada suelto, me gustan las comedias en las que la situación de partida es el desencadenante y la consecuencia de un lío que se podría haber evitado con una elección distinta. 

P.-Estamos en una casa de renta antigua con inquilinos dispuestos a todo por un piso barato en la gran ciudad. ¿Es una obra de teatro con influencias picarescas?
R.- Sí, los inquilinos usan la picaresca, pero como pícaros literarios. Ahí, el pícaro no es malo, sólo elige mal, siempre empujado por unas circunstancias sociales precarias con las que empatiza el espectador. Muchas veces se usa el término "picaresca" como un argumento de disculpa frente a la tremenda corrupción de este país,  y no estoy de acuerdo. Las condiciones sociales de esos "pícaros" de la política y sus compinches empresariales son muy cómodas, no hacen valer el engaño para sobrevivir, más bien lo hacen para mantener cotas de poder e influencia y aumentar sus fortunas, por eso la gente se escandaliza cuando ven esas noticias y les desean lo peor. Cuando lees un pasaje de "El lazarillo de Tormes" en el que  el lazarillo engaña al ciego, sabes que eso está mal, pero sabes que el pobre lázaro no tiene mejores opciones. Mis personajes no quieren un piso para venderlo, ni por el lujo que eso supone, duermen en el sofá y detrás del sofá, ellos lo quieren porque no pueden aspirar a nada más.

P.-¿Comedia, comedia por saturación, drama cómico?
R.- Muchas veces la comedia llega cuando pasan demasiadas cosas a la vez y en un reducido espacio, que se lo digan a Ionesco, a los hermanos Marx, a Chaplin, a Karl Valentin. Tanto en la verborrea como en la acción física, el ir más allá siempre es una opción cómica. En mi caso, cuando me planteé "Su casa es suya", la aparición de nuevas dimensiones alrededor de la casa (un vecino cotilla, por ejemplo) suponían nuevos retos y un mayor trajín de personajes en escena, que tras líos y complicaciones varias, acaban todos  implicados de una manera u otra en un acto criminal, la muerte de la casera. Una muerte, por otro lado, por causas naturales. Y sí, siempre hay drama, como en toda comedia, porque los personajes están tan absortos en sus pequeñas miserias que muchas veces no parecen tener una pizca de humanidad. Algo que me llamó mucho la atención en Madrid, al poco de llegar, fue ver a un hombre tirado en el suelo que gritaba para que alguien le ayudara, y nadie lo hacía, yo lo hice, y por lo visto la excusa de los transeúntes de esa concurrida avenida, para no socorrer a ese hombre fue que era un sintecho. Esa humanidad que se nos presupone, cuando tenemos tantas cosas deshumanizadoras en la cabeza, nos pone delante de problemas evitables con tan sólo un arrepentimiento, un perdón, una mano, en definitiva con la aplicación literal de la palabra empatía, eso de ponernos en la piel del otro. Atendiendo a ese carácter dramático, hago ese alegato final, ese final apoteósico, en el que la anciana, que ha sido utilizada por todos para esconder sus mentiras, les pide algo a cambio, que se resume con: humanidad. 

P.-Llevas muchos años en los escenarios españoles. ¿Cómo influye esta experiencia al decidir publicar un texto teatral en libro?
R.- Siempre estrenas o intentas estrenar lo que escribes. En cuanto vi el número de actores y las condiciones mínimas de escenario que exige esta comedia, entendí que el camino no podría ser únicamente la visita puerta a puerta, mail a mail, a todos los productores que convengan cogerme el teléfono. Tampoco quiero asustar a posibles inversores, no es necesaria una superproducción para ponerla en marcha, pero no tengo recursos para levantar el proyecto, si quiero trabajar en condiciones profesionales. Cuando recibí la propuesta de Ediciones Irreverentes no me lo pensé. Sabía que lo que necesita SU CASA ES SUYA es presencia, confío mucho en la lectura de este texto, y en cuanto a todo lo demás que he escrito, siempre he tenido la tentación de recopilar y publicar, y de lo que he seguido escribiendo, pero de momento están todavía en edad de merecer y de ser actuadas, si llegara el caso.  La publicación de un texto teatral ha puesto de manifiesto mi intención de dedicarme a la literatura dramática, me ha exigido tantas revisiones de mi propio texto que he deseado la muerte a la literatura universal y me ha hecho tomar conciencia de la importancia de contar con un equipo que trabaje con inteligencia y eficacia en la parte editorial. Pero sobre todo, me ha merecido la pena, porque salgo con más kilos de experiencia de los que uno, a priori, piensa que va a engordar en una experiencia así. Me explico. Siempre se dice que el texto teatral se escribe para ser representado, bueno pues cuando esto no puede ser, enfrentarte a la publicación con todos los vericuetos y entretelas de la edición literaria, te permite crecer como autor y, además te posiciona.
  
P.-¿Tiene algo que ver el Francho Aijón que empieza en el mundo del espectáculo con el respetable autor que publica libros y diserta ante un público expectante?
R.- No. Antes era un listillo. Ahora ya sé que no sé una mierda... con perdón. Siempre me he reconocido escribiendo. Desde que tengo memoria, leo y escribo. Estudié arte dramático. Cuando empecé con las actuaciones lo hice con The Sinflow y escribía con Gerald B. Fillmore y Ricardo Ibáñez, hacíamos una comedia muy gamberra, absurda y sin complejos. Actuábamos en cafés teatro y eso nos permitía improvisar mucho, unas veces para bien, otras no tanto. El ejercicio de escritura era muy caótico y no nos planteábamos ninguna técnica, esto ya me había pasado con la poesía. Si bien es cierto que recogimos cierto éxito y reconocimiento en el sector underground, primero de Zaragoza y luego en Madrid, pensábamos que para dar más de sí teníamos que estudiar algo relacionado con las estructuras dramáticas. Mi faceta autodidacta estaba agotada. Así que estudiamos guion de cine y televisión, algo que nos despertó el interés por unos textos más limpios y perfeccionados. Ahora sí podía volver al disfrute de la lectura como aprendizaje, y mi faceta autodidacta empezó a ser más fructífera que nunca. Después The Sinflow se quedó en dos elementos, Gerald y yo, hasta la fecha, en la que seguimos escribiendo textos relacionados con la comedia y la política, tipo John Oliver, e imparto clases de escritura dramática a futuros actores a los que pico con mi viperina pasión de escritor dramático, también sigo una formación autoimpuesta de la que espero sacar el mayor jugo posible, huyo de lo academicista por pereza, me agotan los profesores que son como peonzas intelectuales, o el historicismo universal de los acontecimientos literarios.  Por otro lado, lo de respetable me suena a viejo o carca. No creo que me merezca ningún respeto más allá del que merezco como persona. Me gusta llenar un escenario, por pequeño que sea, y saber que se ríen o sufren con mis propuestas. Nunca he sido un tipo de gusto fácil, ni de comedias mayoritarias, no lo he sido por gusto y por obra, así que animo a que se me respete poco. 

P.-¿Has imaginado la puesta en escena? ¿En qué tipo de teatro ves la obra y con qué planteamiento escénico?
R.- ¡Cómo pa' decir que no! Me la imagino con el loft diseñado como para una viñeta de cómic, tanto el mobiliario como los colores, y lo veo en un teatro con solera cómica. Un Teatro Lara en la sala principal me vendría muy bien. Ahí lo dejo.


Entrevista a Julio Escalada por "El peso de la religión"


P.- ¿Cómo surge la idea de escribir El peso de la religión?
R.- Varias razones se encuentran detrás de la escritura de este texto. En primer lugar, mi interés por la historia y por el dogma de las religiones en general y, especialmente, de los tres grandes credos monoteístas. Por otra parte, confusión que se produce al identificar (sin fisuras) religión y espiritualidad; también la fascinación ante la ritualidad. Pero, y sobre todo, el deseo de reflejar las distorsiones entre el contenido espiritual y la organización que intenta manejarlo a aquel.
P.-¿Es el mundo que nos planteas una farsa en la que hay tres grandes grupos: los dueños de todo, gente que lucha por sobrevivir y explotadores?
R.- No me ha movido la denuncia sociológica, en sentido explotadores contra explotados. Intento plasmar la distorsión entre lo que el ser humano siente y piensa y sus realizaciones, y por ello elijo la comedia. La distorsión está en la base del género cómico. 
P.-¿Cómo presentas a las religiones de tu libro?
R.- Con máximo de consideración y mínimo de reverencia.
P.-Estudiantes de conservatorio, artistas… deben arriesgarse para mantener el espectáculo de los poderosos. ¿Hay algún paralelismo con la realidad?
R.- No tengo una consideración, en general, demasiado buena, elevada… de los seres humanos. Todos somos –mejor dicho–, nos creemos “poderosos” en un momento dado y no nos privamos de hacer ostentación – espectáculo– de él: Un profesor, un banquero, un estudiante, un artista, un cliente de bar, un bedel... da igual…. Pero existen personas buenas, buenas con mayúscula. Plenos de bondad. ¡Qué suerte la suya! y la de los que tenemos la ocasión de estar cerca de ellos.
P:-¿Cómo autor, en qué modo te influye tu experiencia como profesor de la RESAD y el contacto con las nuevas generaciones del teatro español?
R.- Aprendo de mis alumnos, cada día; de todos: de los brillantes y de los menos brillantes; de los trabajadores y de los tramposos; de las buenas personas y de los menos buenas personas. Al finalizar el curso no me duelen prendas de hacérselo saber.  Asimismo, al ser más jóvenes, desde el punto de vista dramatúrgico me ponen en contacto con espacios de creación a los que no tengo tanto acceso. Pero sus aportaciones las pongo en cuarentena. Muchas de ellas, pareciéndome en un primer momento fascinantes, pueden ser flor de un día o, incluso, el tiempo las deja en el terreno del “bluf”.
 P.-¿Qué evolución como autor tienes desde “Primavera”, “Verano”, “Invierno” o “Te vas me dejas y me abandonas” hasta El peso de al religión?
R.- La Tetralogía de las Cuatro Estaciones, junto a Te vas… (en realidad Mutis)  fueron producto de un ansia de amor, de su encuentro y regocijo. En el borde, resultó por la imagen dislocada de seres humanos concretos metidos en una dialéctica poderosos- indigentes (aunque todos perversos). El peso de la religión continúa el mismo camino, la dislocación; Al igual que mi reciente obra: El banquete del minotauro. Reflejar la deformación, la locura y lo perverso del ser humano.
 P.-¿Qué importancia le das a haber ganado con ella el XII Premio El Espectáculo Teatral?
R.- Me prodigo poco como autor, la docencia me lleva mucho esfuerzo. Tengo poco tiempo para escribir y soy lento en llevar a cabo una obra. El premio constituye un espaldarazo a muchas días y horas de búsqueda… a un proceso “doloroso” de seis meses.
 P.-¿Has imaginado la puesta en escena?
Sí, claro. Yo vengo directamente del mundo de la escena “física”, treinta años dedicados a la actuación y finalizada a la edad de 45, hace ya diez años. Siempre escribo con la visión de los personajes en escena, con sus voces.  Una vez se abrieron las puertas de CDN a mi obra Invierno (Premio SGAE) que, por un relevo en la dirección, se frustró. Soy muy tímido y me atreví a llamar –muy discretamente–  en otra ocasión esa vez ni tan siquiera hubo una diplomática respuesta. Tengo una buena opinión del nuevo director, me gusta mucho lo que he visto de él, quién sabe… quizá llame otra vez. Hablo de CDN porque El peso de la religión… es una obra que solo con ciertos medios se puede poner en escena. 


17.6.19

Entrevista a Javier Durán por "Capullo, quiero un hijo tuyo"


P.- ¿Cómo surge la idea de escribir Capullo, quiero un hijo tuyo?
R.- La idea de la obra nace de combinar dos situaciones que vivo a mi alrededor. Al pasar la treintena, hay cierta polarización de mis amistades entre las personas que quieren formar una familia y las que quieren prolongar la adolescencia y vivir con pocas responsabilidades. Entre las primeras, llaman mi atención algunas parejas de mujeres que están llevando a cabo costosos procedimientos para quedarse embarazadas, y veo el drama que supone no llegar a conseguirlo. Entonces se me empieza a ocurrir que sería interesante acercar esos dos mundos y desarrollo la trama en la que las dos mujeres se lanzan a la caza del donjuán como último recurso desesperado para ser madres.

P.- Capullo, quiero un hijo tuyo se estrenó en 2016 en Sala Cero (Sevilla) y desde entonces se mantiene en cartelera con éxito y risas.¿Cuál ha sido la clave?
R.- Por los comentarios que deja el público en Atrápalo, parece que llama la atención positivamente el hecho de que sea una comedia con un trasfondo humano muy actual. Al público le gusta ver a personajes cercanos a las personas con las que convive. Muchas personas dicen que se sienten identificadas con varios de los personajes. Además, y esto es fundamental para sostener la comedia, el elenco hace un trabajo extraordinario.

P.-¿Se ha reescrito mucho la obra, con la respuesta del público, antes de llegar a ser libro?
R.- La trama principal no ha cambiado nada, pero sí que se han incorporado bastantes réplicas que han nacido en el escenario, de improvisaciones o incluso de errores de alguno de los actores o las actrices. Con cada representación el texto se enriquece.

P.-¿Cómo reacciona la gente ante las dos mujeres que quieren ser madres y acaban buscando un macho de ocasión que las preñe? ¿Ves empatía en el espectador?
R.- Sí, la gente se identifica mucho, porque, aunque es una comedia, he tratado de que no se fuercen las situaciones, y eso genera un clima de cotidianidad que acerca mucho la historia al público.

P.-Las ideas cambian más rápido que nunca; la visión social del feminismo, la homosexualidad, las parejas abiertas, la procreación, el papel del varón, no tiene casi nada que ver con la de hace 20 años. ¿Cómo lucha el autor con esos cambios?
R.- Los abrazo con ilusión. Me encanta ver cómo el feminismo gana cada vez más fuerza, y celebro que las diferentes formas de amarnos tengan cada vez más aceptación. En cuanto a mi aportación a esa lucha, quiero pensar que los relatos contribuyen a esa normalización, pero la parte más importante está sin duda en la calle.

P.-¿Qué evolución ves en ti como autor desde que te lanzaste a esta profesión?
R.- He aprendido mucho a nivel técnico y formal, y ahora siento que tengo más recursos y me permito experimentar con fórmulas menos convencionales. En cuanto a la temática, trato de mirarme menos el ombligo y escuchar lo que sucede a mi alrededor para escribir sobre asuntos más universales.

P.-¿Cómo es la puesta en escena de  Capullo, quiero un hijo tuyo ¿La has imaginado diferente cara a salas comerciales?
R.- La puesta en escena de la obra es la mejor que podemos tener con un presupuesto tan limitado. Hacer teatro en el off requiere de mucha creatividad para lidiar con la austeridad. Para salas comerciales de más envergadura le vendría bien una nueva producción que permitiera renovar sobre todo la escenografía y el vestuario, que sufren mucho con tantas funciones.


9.4.19

Manuel Muñoz Hidalgo habla sobre August Strindberg



P.-¿Cómo podemos explicar al lector quién es August Strindberg?
R.- Tras un ejercicio de identificación y complicidad, con el rito de entusiasmo para ponerse en lugar del otro, en este caso, el genial autor sueco, a través de sus propios testimonios y escritos, sus circunstancias personales, la justa coherencia y el análisis de sus contradicciones, es posible descubrir su interior, no sin riesgo y sorpresa.

P.-  Usted muestra a la perfección en esta obra el desequilibrio mental de Strindberg, sus alucinaciones y miedos. ¿En qué fuentes o textos se ha basado?
R.- Para conseguir una pieza fidedigna y mostrar la realidad, me informé sobre lo que motiva los cambios de carácter, los síntomas de la locura, los tipos de trastornos, las principales enfermedades mentales, las causas que provocan un brote psicótico, con el asesoramiento de psiquiatras y mi propia experiencia en un manicomio donde pasé el turno de noche al cuidado de los pacientes en ese mundo dantesco y desgarrador para hacerme la idea del estado de enajenación. Strindberg estuvo al borde de la locura. Lo cuenta en Diario de un loco, Inferno. Su obra en general ha sido el vehículo para descubrir el pensamiento más íntimo del autor sueco sobre la vida, la muerte, el amor, el
fracaso y el triunfo.

P.- Es un monólogo un tanto especial; pero en realidad, Strindberg no está solo.
R.- Nadie está solo cuando permanece la memoria. Opté por esta forma dramática que aportase mayor veracidad. ¿Quién no habla y se enfrenta consigo mismo y con los recuerdos para encontrar soluciones en estado onírico, depresivo o normal? Hablar es
necesario, aún con el silencio, como alimento de la razón.

P.- Su obra ¿es más una exigencia de la libertad o una denuncia de una sociedad cínica y podrida?
R.- Las dos opciones como portavoz de Strindberg. Si tenemos prejuicios y miedos no seremos libres, fuertes y respetados. Sólo en el orden, conocimiento y disciplina se encuentra la fórmula para conseguir la libertad y denunciar la corrupción, el abuso del
poder y la mentira de los depredadores del bien común, lamentablemente con legalidad.

P.- ¿Se puede decir que al mismo tiempo es una obra intimista y una obra exhibicionista?
R.- En busca de respuesta a dudas y prejuicios, me refugio en el teatro como autoterapia, me miro en él como en un espejo e intento que el lector de teatro o el público haga lo mismo, se vea tal como es sin culpa ni remordimiento. En toda mi obra destaca el intimismo y la exhibición porque además de mostrar los más profundos sentimientos los exhibe con cierto narcisismo y complacencia

P.- ¿Cómo imagina su puesta en escena?
R.- Realista, acorde con el espacio y tiempo de la acción dramática. Los requisitos técnicos pueden reducirse a una simple cámara negra, los elementos de ambientación que irán apareciendo según los cuadros, iluminación adecuada y los efectos sonoros y visuales que matizan el texto. Al tratarse de uno de los dramaturgos más reconocidos en el mundo, que pasó la mayor parte de su vida en el S.XIX, aprovecharía un teatro con escenario a la italiana.

P.- Completa el volumen el texto Isabel y Fernando, rigor y prudencia que nos muestra una imagen poco conocida de los Reyes Católicos; sus desavenencias matrimoniales.
R.- La imagen idílica de Isabel y Fernando es idéntica a la de los matrimonios actuales, también de la Realeza, en la difícil convivencia sin amor, sólo por otras razones. Si además no escribes por encargo o presiones fanáticas, con estudio e investigación ,dispones de suficiente criterio e imparcialidad para hacer un drama serio y creíble con las limitaciones de la intuición, las virtudes e imperfecciones humanas, los conflictos y acuerdos conyugales, no como relatan, si es que aparecen, en las crónicas cortesanas de aduladores y agradecidos.



P.- Su Isabel es culta, luchadora, vehemente, pero ¿tenía algún punto débil?
R.- Los celos, que derivan en egoísmo y esclavizan la voluntad. Estaba enamorada profundamente de Fernando, su marido, que además le era infiel.

P.-  Nos presenta un Fernando astuto, desconfiado, mujeriego impenitente, conspirador. ¿Cómo pudo sobrellevarlo todo Isabel?

R.- Tan inteligente como Fernando, leal y virtuosa, con el atractivo de la generosidad, se responsabilizó de las debilidades y errores del marido, no sólo por intereses, metas y aspiraciones comunes sino por el amor que le tenía. El amor superó las dificultades conyugales y fortaleció su espíritu con la entrega total a sus deberes como reina y esposa en la fe de sus creencias que tanto había defendido y la condujo a tomar
decisiones eficaces, compartir ambos la responsabilidad de sus reinos.

P.-  Para acabar, se le considera uno de los más destacados autores de teatro histórico en España.¿A qué se debe?
R.- La curiosidad, predilección e interés por la Historia y sus protagonistas me condujo al drama histórico, a dedicar la mayoría de mi obra a la recreación de temas basados en acontecimientos históricos o las vidas emblemáticas de sus personajes, que no se deben olvidar, con una visión crítica y didáctica en prosa o verso. He vivido y vivo para el teatro, no del teatro, lo que me facilita la dedicación suficiente para la investigación, hacer el trayecto creativo hacia el entendimiento en solitario, irreverente.



Manuel Muñoz Hidalgo en Conocer al Autor



Manuel Muñoz Hidalgo en Conocer al Autor, lectura de la obra


30.3.19

Entrevista a Belén Pérez Daza, autora de Due Padrone



P.- ¿”Due padrone” es una comedia de enredos propia del s.XVIII ambientada en un grupo mafioso de la Italia actual?
R.-  Es una comedia de enredos ambientada en la mafia italiana con la estética del Chicago y los gánsteres de los años 40.   

 P.- ¿Por qué inspirarse en Carlo Goldoni?
R.- Porque tanto al leer sus obras como al verlas representadas me llenan de buen humor y de entusiasmo, que es lo que a mí me gusta provocar en mis lectores y espectadores.
  
P.- ¿El tratamiento del idioma –el italiano- de la ambientación puede tener algo de paródico al modo de La venganza de don Mendo, de Muñoz Seca?
R.- Claro que sí y también este italiano macarrónico que utilizo en algunos momentos en el texto tiene raíces del carnaval gaditano, en donde la influencia italiana, sobre todo veneciana, ha estado muy presente: “gaditanizando” expresiones, terminaciones de palabras o reinventándolas para que sonaran al idioma italiano parodiándolo.

 P.- ¿Quién es ese muchacho que sirve a dos amos?
R.- Trufa es un chico de la calle que utiliza su ingenio para sobrevivir. Es nuestro pícaro de toda la vida que juega las cartas según le vienen dadas. Y las sabe jugar muy bien porque es capaz de engañar e improvisar a cada dos palabras que dice. Deja bien sentando que nada sabe porque en el orfanato nunca aprendió aunque sus actos reflejan que la vida le ha enseñado más de lo que podría aprender en cualquier escuela.      

 P.- Creemos que hay un personaje femenino en esta obra que te gusta especialmente: ¿Cuál y por qué?
R.- Me encanta la Señora Pastrane. Primero porque en la versión original es un personaje masculino y al cambiarlo a femenino podía jugar con ella de diferentes formas, como conciencia y freno del personaje femenino principal  y para enredarla en situaciones amorosas-cómicas con el Capo de los Capos, Don Vitorio. Tienen una relación divertida en la que el poderío varonil y peligroso del mafioso se derrite ante la promesa de un momento sensual hasta las últimas consecuencias.    
  
P.- ¿Vence el amor, la venganza o al final se impone la picaresca?
R.- Soy una romántica. Vence el amor. Aunque también la picaresca tiene sus momentos y bueno, quizás el final sea una venganza… pero mejor se lo dejamos al lector para que lo compruebe.

 P.- Si un director o productor te pide llevar la obra a escena ¿Qué necesidades tendría? ¿Es una obra que puede representar tanto una compañía profesional como un grupo aficionado?
R- Creo que no tendría muchas dificultades y está abierta a la creatividad del propio director. Sí, puede ser representada tanto por una compañía profesional como por un grupo aficionado, y es más, también por grupos juveniles. Creo que puede funcionar en todos los ámbitos.
  
P.- Eres dramaturga en nómina del grupo Orozú Teatro, Premio Max 2013 de las Artes Escénicas. ¿Qué carácter social tiene este grupo de teatro?
R- Es un grupo ligado a la discapacidad visual y forma parte de un movimiento teatral muy extenso, con muchos años trabajando y con profesionales de primer nivel que promociona y subvenciona la ONCE.
  
P.- ¿Cuántos años llevas en el mundo del teatro y cuáles han sido tus principales logros?
R.- Podría decir que llevo toda la vida en el teatro. Empecé como actriz a los 14 años en grupos de mi ciudad y casi enseguida empecé a escribir textos. Siempre he escrito mis textos para ser representados, y he ido aprendiendo el oficio a base de confrontarlos con el público, quizás eso es algo que también me acercó a Goldoni.
     En cuanto a logros puedo decir que de los casi treinta textos teatrales que he escrito,  entre teatro para adultos y teatro infantil, han sido estrenadas más de veinticinco obras. Que las puestas en escena de mis obras por parte de Orozú Teatro han sido premiadas en numerosos certámenes, asistiendo en dos ocasiones al Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro: en el 1999 con “Crónicas y Mojigangas” versión libre sobre textos de Shakespeare y en el 2018 con “Don Volpone” versión libre y descarada del Volpone de Ben Jonson.
     Hasta hace bien poco no intenté la publicación de mis textos. Era un sueño, que se convirtió en realidad el año pasado con la edición de “En Black” y este año continua el sueño con la publicación de “Due Padrone”.


El libro se presenta el jueves 11 de abril, a las 20h, en el Café Teatro Pay Pay, C. Silencio 1, Cádiz, con una lectura dramatizada.

Due Padrone, de Belén Pérez Daza

Due Padrone
Autor: Belén Pérez Daza

Colección de Teatro, nº 98
ISBN: 978-84-17481-17-9
PVP: 10€ • 98 páginas

Riki Rasponi, jefe de una familia mafiosa, es asesinado por la policía tras un chivatazo. Su hermana Francesca, queriendo asumir la dirección de la familia y buscando venganza, ocupa el lugar de su hermano haciéndose pasar por éste ante don Vitorio, el capo de los capos. Francesca se presenta ante don Vitorio intentando averiguar si el culpable de la muerte de su hermano ha sido su prometido, Luchiano Aretusi, quien a espaldas de su amada busca también la protección de don Vitorio. Desde el principio empiezan los enredos, gran parte de ellos provocados por un jovenzuelo al que Franchesca toma a su servicio: Trufa, criado en la calle y según sus propias palabras: “Nada sé porque en el orfanato nunca aprendí” y que sin pretenderlo se ve sirviendo tanto a Franchesca como a Luchiano. ¿Pero cómo se puede salir bien librado teniendo dos patrones? Trufa tiene la respuesta: con astucia, sinvergonzonería y cara dura. Aunque engañar a la mafia puede traer consecuencias desagradables. Una galería de personajes a los que se suma: la señora Pastrane dueña del hotel-restaurante donde transcurre esta historia y que mantiene un “estrecho contacto” con don Vitorio; Luchía, hija del capo, que esconde un secreto compartido con su fiel Marcela; Pietro, mano ejecutora de don Vitorio, dispuesto siempre a utilizar una pistola; Caruso, un criado del hotel-restaurante que jamás hace lo que se le dice; la señora Carboni, madre del prometido de Luchía, que no se entera de nada, y por último, Franco Carboni que… no aparece por ningún lado… ¿o sí? Hilarante comedia mafiosa inspirada libremente en Arlequín, servidor de dos amos, de Carlo Goldoni. 

Belén Pérez Daza
(Cádiz, 1964).
Se licenció en Historia por la Universidad de Cádiz en 1988. Su actividad profesional ha estado siempre ligada al teatro como docente, actriz, directora y dramaturga. Lleva escribiendo desde hace más de veinticuatro años tanto teatro infantil como adulto y narrativa infantil. Entre adaptaciones y textos originales tiene en su haber más de treinta obras de teatro. De ellas, han sido representadas veintiuna por grupos de teatro independiente, de todo el territorio nacional. Desde 1994 es dramaturga en nómina del grupo Orozú Teatro, Premio Max 2013 de las Artes Escénicas. Grupo de teatro que tiene carácter social vinculado al mundo de la discapacidad. Las puestas en escenas por parte de Orozú Teatro de sus textos teatrales han participado en numerosos festivales, tanto nacionales como internacionales. Ha publicado la obra En Black–vivir en negro y ha participado en la antología Monólogos de humor. Autoficción de Ediciones Irreverentes. 

Todo sobre el libro en http://www.edicionesirreverentes.com/teatro/Due%20padroneBelenPerezDaza.html

22.3.19

Celebramos el Día Mundial del Teatro. RNE, Sexto Continente 231


El 27 de marzo celebramos el Día Mundial del Teatro. En Sexto Continente, el café literario de Radio Exterior de España, dirigido y presentado por Miguel Ángel de Rus adelantamos y dedicamos Sexto Continente al arte de Tespis, el precursor que ganara el primer concurso de tragedias durante las Dionisiacas de Atenas del 536 Antes de Nuestra Era; Al arte de Melpómene, musa de la tragedia, el difícil arte que despierta el ingenio y la imaginación, a quien se representa portando una máscara trágica como su principal atributo; y el arte de Talía, musa de la comedia, quien presidía los banquetes y otras festividades, otorgando dones de abundancia.
¿Sabéis cuáles fueron las ramas literarias más afectadas por la censura de la Inquisición? Los ensayos religiosos y el teatro; su peligrosidad radicaba en su proyección popular. La Inquisición, desde 1600, se cebó en el teatro, se prohibió toda la obra de Gil Vicente, se censura a Torres Naharro, Encina, CarvajalFeliciano de Silva, Palau, Natas, Huete. Incluso a Tirso de Molina le prohíbe textos la Inquisición y a Luis Vélez de Guevara se le persigue por “Los tres portentos del cielo”. Hay menos censura contra la comedia impresa en libros, porque casi nadie sabe leer, pero se persigue el teatro representado. Si el Teatro era malo para la Inquisición, es bueno para ti.
Comenzamos con Belén Pérez Daza dramaturga en nómina del grupo Orozú Teatro, Premio Max 2013 de las Artes Escénicas. Nos presenta su comedia “Dúe padrone”, inspirada libremente en “Arlequín, servidor de dos amos”, de Carlo Goldoni. Aquí se sirve a la mafia, con un italiano de Cádiz que quita el sentido. Para leer entre risas.

Hablamos con Manuel Muñoz Hidalgo de su obra “August Strindberg, el abismo y el alba”, sobre  el atormentado, contradictorio y genial Strindberg, uno de los pioneros del arte contemporáneo, afectado por problemas familiares, económicos y amorosos, por su desequilibrio mental, alucinaciones, miedos y manías persecutorias que le precipitan al abismo de la duda y la búsqueda del sentido de la vida.
Vera Kukharava nos recomienda la lectura de 5 obras teatrales de autores tan diversos como Yolanda García Serrano, Laila Ripoll, Víctor Almazán, Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre.

Hablamos con el autor y las dos actrices de la obra “Clara Victoria”, sobre el voto femenino en España. En diciembre de 1931 España aprueba el Sufragio Universal con el empeño de Clara Campoamor. Frente a ella, Victoria Kent se opuso a esa ley. Las consecuencias del debate marcaron la vida de ambas mujeres, enfrentadas por visiones diferentes de cómo fraguar un sueño común: la igualdad de ambos sexos. Nos hablan de la obra Fernando BecerraEstela Perdomo y Diana Ramírez, quienes además nos dramatizan una parte del texto.
Chema Rodríguez Calderón interpreta en La Escalera de Jacob junto a Gerard Clúa una obra de teatro sobre un futuro en el que el humor está prohibido, porque todo el mundo es puritano tirando a mojigato, y se siente ofendido por algo. La obra se titula “Claro, boba. Prohibido el humor” y creemos que por el bien de la humanidad, el autor nos debe hablar de ella.

Y el cierre es un pequeño homenaje a una de las mujeres más grandes del teatro español contemporáneo: Elena Cánovas, quien fundó en 1985 la compañía Yeses, para que las mujeres que estaban en la cárcel hicieran teatro como forma de reintegrarse en la sociedad y 34 años después sigue en la batalla. Acaba de recibir el Premio de la comunidad de Madrid, ha recibido el Premio Max de Teatro, y TVE ha presentado un gran documental sobre su vida y obra, dirigido por Miguel Forneiro.
Todos los audios de Sexto Continente en RNE, http://www.rtve.es/alacarta/audios/sexto-continente/

5.3.19

Presentación de "August Strindberg, el abismo y el alba", de Manuel Muñoz Hidalgo, el lunes, 11 de marzo, a las 19 h, en el Café Cósmico


Presentación de "August Strindberg, el abismo y el alba", de Manuel Muñoz Hidalgo, el lunes, 11 de marzo, a las 19 h, en el Café Cósmico. Presentan  el dramaturgo Jorge Jimeno y el editor Miguel Ángel de Rus, con la actuación de Ricardo Peralta. 

28.2.19

“August Strindberg. El abismo y el alba”, de Manuel Muñoz Hidalgo, en Ediciones Irreverentes


August Strindberg. El abismo y el alba.
Autor: Manuel Muñoz Hidalgo

Colección de Teatro, nº 97
ISBN: 978-84-17481-16-2
PVP: 12,99€ • 142 páginas


August Strindberg, el abismo y el alba es una obra dramática sobre el atormentado, contradictorio y genial August Strindberg, uno de los pioneros del arte contemporáneo, durante su estancia en París desde 1894 a 1896, afectado por problemas familiares, económicos y amorosos, por su desequilibrio mental, alucinaciones, miedos y manías persecutorias que le precipitan al abismo de la duda tras la búsqueda de respuesta y verdad que den sentido a la vida. En la arquitectura teatral de esta pieza de Manuel Muñoz Hidalgo ocupa un lugar destacado el personaje ausente, según José García Templado. El abismo y el alba es un reclamo a la libertad, el rechazo y la inadaptación a la sociedad cínica y podrida en cualquier lugar o tiempo. El intimismo de la obra busca la complicidad del público o lector de teatro. El autor, que hace una recreación libre de la obra del propio Strindberg, muestra el conflicto personal de Strindberg consigo mismo y con los demás, que se resuelve con la purificación, el conocimiento y la voluntad. El volumen incluye otra obra Isabel y Fernando, rigor y prudencia es una obra histórica. Sus protagonistas: Los Reyes Católicos, figuras emblemáticas consagradas por la Historia, asentaron las bases del Estado con la fuerza suficiente para garantizar la seguridad y el orden en el país. Casados por razones políticas, fueron los reyes más significativos de España por su forma de gobernar juntos. Isabel: culta, virtuosa, decidida, luchadora, vehemente, capaz, inflexible. Fernando: astuto, desconfiado, mujeriego impenitente, conspirador, estratega. Manuel Muñoz Hidalgo, sin profanar la contextualidad, desmitifica leyendas y testimonios de cronistas palaciegos a través de personajes como don Gonzalo y su esposa doña Clara, que cuidaron a doña Isabel desde su infancia. Otro personaje, Enrique IV de Castilla, es un referente del vicio contra natura que se ocultaba en la Corte. Doña Beatriz de Osorio, el cinismo y la seducción, desata los celos de Isabel. Vivimos acontecimientos e intrigas cortesanas, ambiciones e infidelidades. 


Manuel Muñoz Hidalgo

(Alcantarilla, Murcia, 1939).
Profesor, narrador, poeta y dramaturgo, prolífico escritor, uno de los autores de teatro imprescindibles de su generación, con más de 40 obras teatrales estrenadas, traducidas y publicadas en España y otros países, como El herrero de Betsaida, La escarcha, Ingenio contra usura, El saber y la renuncia, El tornillo, Amor prohibido. Bien de almas, Bécquer. El día y la bruma, ¡Usquead aeternitatem!, Desbandada, El temblor de la llama, Cuando llega la noche, Un vaso de whisky. Auto de la buena muerte y Arcángeles beleneros aparte de otras piezas y dramas humanos de carácter más variado. Es uno de los más destacados autores de teatro histórico en España. Como poeta, es autor de: Prisiones del aire, Pueblo y escarnio, La calle del vacío. Como narrador es autor de las biografías Cómo fue Miguel Hernández, Juan de la Cruz. Memoria de vuelo alto (1591-1991). La voz de la memoria es un libro de encuentros con intelectuales españoles del siglo XX que incluye conversaciones, imágenes, poemas y manuscritos. Es autor del manual El teatro en la escuela para maestros. 



Colección de Teatro de Ediciones Irreverentes http://www.edicionesirreverentes.com/Teatro.htm


10.2.19

Ha muerto el dramaturgo y coreógrafo Salvador Távora


El dramaturgo y coreógrafo Salvador Távora ha muerto hoy en Sevilla a los 88 años, según han informado a Efe fuentes próximas al creador teatral.
Nacido el 3 de abril de 1930, Távora estaba considerado renovador del teatro andaluz y había sido distinguido con la Medalla de Andalucía y la Medalla de Oro a las Bellas Artes.
Hijo Predilecto de Sevilla, recibió numerosos reconocimientos y galardones durante su trayectoria, como el Premio Max de Honor en 2017.
Távoro se encontraba "delicado de salud" desde hace unos meses, pero todavía tenía "mucha fuerza", según han explicado a Efe algunos allegados, quienes han confirmado que el las próximas horas el cuerpo de Távora será trasladado al tanatorio de San Jerónimo de Sevilla, donde será velado por familiares y amigos.
Fuentes de la familia han explicado a Efe que Pilar Távora, hija del fallecido, se encontraba en el momento de la muerte de su padre en Berlín, donde está rodando un documental, por lo que podría estar volando en estos momentos hacia España.
Salvador Távora nació en el Cerro del Águila sevillano, fue cantaor de flamenco, soldador en la extinta fábrica de Hytasa, además de torero, aunque fue en el teatro donde triunfó.


La Cuadra de Sevilla es una compañía española de teatro independiente fundada en Sevilla, que ha desarrollado su actividad en España, Europa e Hispanoamérica, entre 1969 y el inicio del siglo XXI. En 1986 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y en 1998 la Cruz de San Jordi. Salvador Távora, su director y dramaturgo, ha sido considerado en todo momento como líder y alma del colectivo.

3.2.19

Tres obras de teatro sobre el derecho al voto de la mujer en España

Resulta significativa la escasa presencia en el teatro español de las dos mujeres que mantuvieron el debate definitivo sobre el voto femenino en España durante la República: Victoria Kent y Clara Campoamor.
            En la Segunda República española, las mujeres podían ser elegidas, pero no votar. En octubre de 1931, poco después de nacer la Segunda República Española, se mantuvo un apasionante debate entre Clara Campoamor, del Partido Radical,  defensora de que las mujeres votaran, y Victoria Kent, del Partido Radical Socialista, contraria a que las mujeres votaran. Este debate ha pasado a la historia.
Victoria Kent, según sua palabras, recogidas en el diario de sesiones del 1 de octubre de 1931, basaba su postura en la “incapacidad femenina para votar debido a que tradicionalmente se habían mostrado cercana a la iglesia y había mantenido posturas más tradicionales”. Lo cual llevaría a que los partidos de izquierdas perdieran votos.
Clara Campoamor defendió el sufragio universal, incluyendo a las mujeres. Campoamor se preguntaba. “¿No recae sobre las mujeres toda la consecuencia de la legislación que se elabora aquí para los dos sexos, pero solamente dirigida y matizada por uno? ¿Cómo puede decirse que la mujer no ha luchado y  que necesita una época, largos años de República, para demostrar su capacidad?”.
Tras el debate, se aprobó en el congreso el voto femenino en las mismas condiciones que el masculino, a la edad de 23 años. Se estableció en la Constitución de 1931 en el artículo 36.
Este hecho revolucionario, ha tenido escaso reflejo en el teatro español. Destacaremos tres obras que tratan de este importante asunto:
La Asociación de Autores de Teatro editó en 2005 Las Raíces Cortadas, de Jerónimo López Mozo, Premio Nacional de Literatura Dramática 1998. Esta obra sería llevada a escena bajo la dirección de Luis Maluenda e interpretación de Pepa Sarsa (Victoria Kent) y Marisa Lahoz (Clara Campoamor).
En Las Raíces Cortadas el lazo dramático de ambas mujeres se consigue a través de una situación: la aprobación del voto femenino que supuso un amplio y controvertido debate. Más tarde les unirá el exilio, vivido de forma muy distinta. A partir las vivencias de unos personajes históricos, Las Raíces Cortadas se convierte en un texto que va más allá de la anécdota histórica. Presenta un tema más profundo: los derechos de la mujer.

           En 2016 Ediciones Irreverentes concede el premio El Espectáculo Teatral a la autora ilicitana Olga Mínguez por su obra Victoria viene a cenar. De aquel histórico debate sobre el voto femenino surge esta obra. Clara Campoamor ha invitado a Victoria Kent a cenar. Lo tiene todo preparado: el salón, la cena y el vino. Clara sabe que se trata de la noche decisiva para ambas, ya que el fantasma de aquel debate político de 1931 nunca ha dejado de planear entre ellas. Pero, no se equivoquen, porque aquí se hacen malabarismos con la inventiva. Y es que, la cena entre la Campoamor y la Kent, no se llegó a dar. Un capítulo ficticio donde conoceremos la apasionante vida de las dos primeras mujeres diputadas del Parlamento español; un recorrido fugaz por sus actos, sus logros, sus sentimientos y sus derrotas. Una conversación llena de matices, de reproches, de sentimientos de culpa y de reencuentros que nunca ocurrió pero que, tal vez, debió haber ocurrido.
En 2017 Ediciones Irreverentes concede el premio El Espectáculo Teatral a otra obra dedicada a una de las mujeres de este hecho histórico: La verdadera identidad de Madame Duval, de Antonio Miguel Morales Montoro. Nadie conoce la verdadera identidad de Madame Duval, una española refugiada en París inscrita en la lista negra de Franco y buscada por la GESTAPO y por el sanguinario policía español Pedro Urraca. Madame Duval logra sobrevivir al asedio apoyada por unas amigas que construyen en torno a ella una fortaleza que nadie puede derrumbar. Quien quiera conocer el verdadero nombre de Madame Duval, tendrá que ser testigo de su peripecia vital, para no juzgarla de antemano, como ha hecho la historia con la protagonista de esta obra, sin duda una de las mujeres más relevantes de nuestra contemporaneidad. Su nombre se nos irá revelando a través de los hechos que delimitan la acción, siendo este enigma una de las bazas del planteamiento dramático.
Como hecho significativo del devenir histórico de la España del s.XX, ambas mujeres acabarían en el exilio.
En una época en la que el debate sobre los derechos y libertades de la mujer está más presente que nunca, resulta sorprendente que ninguna de estas tres obras –en el momento de escribirse este artículo– esté en las carteleras del país. La lectura de estas tres obras teatrales se muestra así básica para conocer la postura de los más significativos representantes de las artes escénicas en un debate que sucedió hace casi 90 años, pero cuyo resultado sigue marcando nuestra época. Es una lectura recomendable sobre todo para las generaciones más jóvenes, a quienes les sigue sorprendiendo que este debata haya existido hace tan poco tiempo.

2.2.19

Bases del II Premio Alfred de Musset de traducción, versión y adaptación de obra teatral, de Ediciones Irreverentes



Podrán concurrir al premio aquellos originales que reúnan las siguientes condiciones:

a) Obras teatrales en español que sean traducción, versión o adaptación teatral de una obra teatral, novela o relato, previamente existente, sea cual sea el idioma del original sobre el que se haya trabajado. El texto participante en el premio no habrán sido publicadas en libro, ni en revistas en España. Pueden ser obras no estrenadas, o si se han estrenado, se aceptarán obras puestas en escena en un plazo máximo de 5 años antes de la fecha de convocatoria del premio.

b) Podrán participar obras con una extensión mínima de 70 páginas y máxima de 120 (DIN A-4), a espacio y medio, por una cara. Letras Arial o Times New Roman 12, o similar.

c) Las obras presentadas no habrán sido premiadas en otro concurso, no se hallarán pendientes de fallo en cualquier premio ni estarán sujetas a contrato con una editorial o agencia.

d) Se establece un primer premio consistente en la publicación de la obra ganadora en la Colección de Teatro de Ediciones Irreverentes. Los derechos de publicación serán del 10% sobre el PVP del libro sin IVA por cada libro vendido. Si las obras no son de derecho público (autores vivos o muertos en un plazo inferior a 80 años) el autor de la versión, traducción o adaptación, deberá aportar un certificado del autor original o sus derechohabientes, aceptando que la obra ganadora se publique en la Colección de Teatro de Ediciones Irreverentes y deberán firmar un contrato habitual en la editorial. Este requisito es imprescindible en obras que estén en derecho.

e) El autor de la versión, traducción o adaptación debe respetar los derechos morales del autor original, dado que tienen un carácter personalísimo (inherentes a la persona de su titular) por lo que son irrenunciables e inalienables. Los derechos de paternidad e integridad no tienen límite de tiempo y deben ser respetados incluso cuando la obra pertenece al dominio público. Dado que el autor tiene derecho a exigir el respeto a la integridad de la obra e impedir cualquier deformación, modificación, alteración o atentado contra ella, se aceptarán obras que modifiquen número de personajes, cambios en el tiempo, adecuación del vocabulario, etc. Pero en ningún caso obras que cambien el mensaje original de la obra o los conceptos básicos manejados por el autor.

f) Cada autor podrá presentar un máximo de 2 obras a concurso, enviando una única copia de cada título con páginas numeradas y sin la firma del autor, sustituida por seudónimo en cabecera, acompañados de plica, con el mismo titulo, que contendrá obligatoriamente: nombre y apellidos, domicilio, fecha de nacimiento, teléfono y correo electrónico del autor, una breve nota bio-biblográfica del autor y una sinopsis de la obra de 20 a 30 líneas. La obra estará cosida o encuadernada. Si faltara alguno de los requisitos la obra podrá no ser aceptada.

g) Los trabajos se enviarán por correo normal (sin certificar) a Ediciones Irreverentes, C. Martínez de la Riva, 137, 4ªA. 28018 Madrid. (No se recibirán obras personalmente en ningún caso.) Indicando en el sobre: II Premio Alfred de Musset. El plazo de recepción de originales expira el día 1 de abril de 2019.

h) Los autores residentes fuera de España si desean participar deberán enviar la obra por correo electrónico a edicionesirreverentes@gmail.com. Enviarán en el correo dos archivos Word; uno con la obra y otra, a modo de plica, con sus datos personales y todas las demás informaciones exigidas en los envíos por correo.

i) Ediciones Irreverentes formará un jurado compuesto por 3 personas. La obra será escogida entre un máximo de 6 obras finalistas propuestas al jurado por el comité de lectura. El veredicto del jurado será inapelable. Ediciones irreverentes se reserva el derecho de dejar el premio desierto.

j) El fallo del jurado se hará público por nota de prensa a los medios de comunicación y por envío por correo electrónico a los participantes.

k) El autor ganador del Premio deberá presentar el libro en el que se recogerá la obra en el Salón del Libro Teatral (en el caso de realizarse en Madrid, si el autor reside en otra ciudad, no será obligatorio). Si el autor no vive en el territorio nacional español no tiene obligación de participar en el acto.

l) La participación en esta convocatoria implica la aceptación de sus bases y del fallo del Jurado.

m) La organización del Premio utilizará el correo electrónico de cada autor para enviarle información sobre el premio y otras informaciones teatrales, o para propuestas de edición si lo considera conveniente, salvo que el autor manifieste expresamente su deseo de no recibir información.


Entrega de Premios de Ediciones Irreverentes en el Salón del Libro Teatral 2018: Premios Irreverentes de Comedia y Premio Alfred de Musset. De izquierda a derecha Pilar Zapata, Ivor Martinic, Nikolina Zidek, Ignacio del moral, Jorge Jimeno, Ramón Paso, Miguel Ángel de Rus, Juan García Larrondo y Pedro Víllora.